La rock band d’avanguardia Palaye Royale – con oltre 1 miliardo di stream totali – arriva in Italia in occasione di The Amsterdamage World Tour 2027. La tournée farà tappa a Milano con appuntamento prodotto da Vivo Concerti e previsto lunedì 15 marzo 2027 al Fabrique di Milano. Sarà l’occasione per portare sul palco il nuovo capitolo sonoro del loro sesto album Amsterdamage, in uscita il 22 gennaio 2027.

Da sempre, il live è una parte fondamentale dell’identità dei Palaye Royale: concerti carichi di energia, in cui la dimensione musicale si unisce a quella visiva e performativa. Ora la band si prepara ad arrivare in Italia. Formati nel 2008, i Palaye Royale hanno sviluppato un’identità musicale e visiva profondamente personale, superando 1 miliardo di stream. Dopo anni di attività e un percorso costruito tra musica, live e sperimentazione, nel 2025 la band ha iniziato a dare forma a Amsterdamage, il loro sesto album in studio. Scritto nel pieno di un tour incessante, il disco ha preso vita tra la costa di San Diego e l’Olanda, per poi arrivare alla sua versione definitiva nello studio di Chris Greatti a Los Angeles. Amsterdamage uscirà a gennaio 2027, ad anticiparlo è Lost In Translation, primo singolo che apre un nuovo capitolo nella storia della band. Il nuovo album sarà accompagnato dall’Amsterdamage Tour, che tra marzo e aprile 2027 porterà i Palaye Royale attraverso Europa e Regno Unito.

PALAYE ROYALE DISTOPIC.IT

Sette decenni. Sei continenti. Oltre duemila concerti. Sono i numeri pazzeschi della più grande live band di tutti i tempi, che con “In tour. The Rolling Stones”, in libreria per Il Castello, vede il racconto definitivo e autorizzato di una carriera senza fine, a firma del giornalista musicale Paul Sexton.

Un libro fotografico di grande formato, imprescindibile per ogni fan, impreziosito da una prefazione scritta dagli stessi Rolling Stones e con testi arricchiti da interviste e testimonianze dirette.

Editore: Il Castello
Collana: Musica
Autore: Paul Sexton
Pagine: 304
Formato: 26 x 33 cm – cop. rigida
Prezzo: 49,95 €
Codice ISBN: 9788827605943

In tour. The Rolling Stones DISTOPIC.IT

“Raw – Una cruda verità” (2016), esordio nel lungometraggio di Julia Ducournau, parte da un’idea intrigante e piuttosto originale, capace di aprire prospettive interessanti senza affidarsi a formule già collaudate. Alcuni passaggi della sceneggiatura funzionano, ma il film nel suo insieme è imperfetto e dà l’impressione di voler concentrare troppi elementi in uno spazio narrativo ristretto.

La trama incespica spesso, perde slancio e fatica a trovare una direzione precisa, mentre la regia è buona. Le scene di disgusto si accompagnano a una morbosità sessuale ostentata, tra nudità gratuite e provocazioni che sembrano rispondere più alla volontà di scioccare che a un’effettiva necessità narrativa. Un eccesso poco controllato, quasi un espediente voyeuristico per attirare l’attenzione e compiacere una nicchia di pubblico.

A risollevare parzialmente il risultato contribuiscono le ottime musiche di Jim Williams e un cast convincente, soprattutto nelle interpretazioni di Garance Marillier ed Ella Rumpf, rispettivamente nei ruoli delle sorelle Justine e Alexia, credibili nel dare corpo alle dinamiche del loro rapporto.

Il finale prova a rimescolare le carte, ma le svolte risultano abbastanza prevedibili. Resta un’opera con un’intuizione di partenza interessante, che non riesce però a svilupparne fino in fondo le potenzialità. Un film da vedere? Sì, merita una possibilità.

RAW – UNA CRUDA VERITÀ (Grave) DISTOPIC.IT

Su Distopic le cover non ci piacciono, anzi, per dirla tutta le detestiamo. Partiamo da questo presupposto. Eppure, quando ti trovi davanti a una rivisitazione fatta in questo modo, non puoi tirarti indietro. Questa rilettura di “Feeling Good” è una bellissima sorpresa. C’è una gran voce, un arrangiamento solido e un’intensità che non cala mai. Tutto è perfetto. Quando la qualità è così alta, bisogna solo alzare le mani.

Here at Distopic, we do not like covers at all. To be honest, we detest them. Let’s start with that. And yet, when you face a reimagining done this well, you just cannot back down. This take on “Feeling Good” is a beautiful piece of work. It features a great voice, a solid arrangement, and an intensity that never drops. Everything is perfect. When the overall quality is this high, all you can do is surrender and appreciate the music.

CRYS MATTHEWS DISTOPIC.IT

Questo è un brano che devi ascoltare. Non sembra una confessione provocatoria: lo è a tutti gli effetti. La parte musicale si appoggia su un alt-pop leggero e arioso, una scelta stilistica che crea un perfetto contrasto con il peso delle parole. Il testo non fa sconti e traccia una linea di intimità netta con l’ascoltatore, mettendolo a tu per tu con la voce in una dinamica cruda e senza alcun filtro.

This is a track you need to hear. It doesn’t just sound like a provocative confession: it is one in every respect. The musical side relies on a light, breezy alt-pop foundation, a stylistic choice creating a perfect contrast with the heavy nature of the lyrics. The words pull no punches and draw a sharp intimacy with the listener, putting you face to face with the vocals in a raw and unfiltered dynamic.

JYHAN DISTOPIC.IT

La traccia d’apertura del nuovo disco di Marek De Vann, con Paolo Apollo Negri e la voce di Maddalena Conni, parte dalle atmosfere dei polizieschi anni Settanta mescolando jazz, funk e vecchi synth. Il risultato va ben oltre la semplice citazione. Ci troviamo davanti a un brano magmatico e ipnotico, capace di recuperare certe derive dub degli anni Novanta. La struttura avvolge l’ascoltatore: se messo in cuffia, il pezzo amplifica al massimo tutto il suo potenziale lisergico.

The opening track of the new album by Marek De Vann (featuring Paolo Apollo Negri, and Maddalena Conni on vocals) builds on 70s crime-movie vibes, mixing jazz, funk, and vintage synths. The final result goes beyond a simple homage. We are dealing with a magmatic and hypnotic piece, capable of retrieving specific 90s dub elements. The sonic structure surrounds the listener: if you put your headphones on, the track pushes its lysergic potential to the absolute limit.

MAREK DE VANN DISTOPIC.IT

Può l’elettronica essere pensata per il dancefloor e risultare al contempo cinematografica? Questo brano rappresenta la sintesi ideale. La traccia mescola le atmosfere degli anni Ottanta con le intuizioni degli anni Duemila, trovando un equilibrio solido tra attitudine pop e un’elettronica di grande raffinatezza. La struttura dimostra poi un’ottima gestione delle dinamiche: il pezzo sa in quale momento esatto spingere sull’acceleratore.

Can electronic music be made for the dancefloor and feel cinematic at the same time? This track represents the ideal synthesis. The song mixes Eighties atmospheres with two-thousands ideas, finding a solid balance between a pop attitude and refined electronics. The structure also shows great control over its own dynamics: the piece knows the exact moment to step on the gas and accelerate, keeping the listener engaged without wasting a beat.

KAZIMI DISTOPIC.IT

Questo è un brano che va dritto al punto, senza nascondersi dietro agli effetti speciali. Parliamo dell’esatto tipo di alt pop che ci piace: idee a fuoco, linee melodiche efficaci e un testo intelligente che si fa ascoltare. La produzione dimostra una regola fondamentale. Quando alla base c’è una qualità vera e concreta, i trucchi da studio e i fuochi d’artificio non servono a niente: la canzone ha la forza di reggersi in piedi da sola.

This is a track going straight to the point, without hiding behind any special effects. We are talking about the exact kind of alt-pop we like: focused ideas, effective melodic lines, and intelligent lyrics drawing you in. The overall production proves a fundamental rule in a clear way. When there is real and solid quality at the core, studio tricks and fireworks are useless: the song has the sheer strength to stand on its own two feet.

RILEY MAX DISTOPIC.IT

Ci troviamo davanti a un’elettronica abrasiva che prende in ostaggio la testa dell’ascoltatore. L’impatto ricorda un volo dirottato in piena emergenza, pronto a un atterraggio di fortuna tra scossoni e adrenalina pura. È un brano che fa sua una chiara attitudine punk, entrando a gamba tesa senza chiedere permesso. Eppure non c’è caos fine a se stesso: sotto la scorza ruvida emerge la classe dei pezzi capaci di andare oltre il banale rumore.

This is abrasive electronics taking the listener’s mind hostage. The impact feels like a hijacked flight bracing for an emergency landing, full of heavy turbulence and pure adrenaline. It is a track embracing a clear punk attitude, breaking in with brute force without asking permission. Yet, there is no random chaos here: beneath the rough surface lies the class of those songs able to push past basic noise, keeping a sharp focus.

PERRY WAYNE DISTOPIC.IT

A livello stilistico ci troviamo di fronte a un classico brano post-rock, costruito su una dinamica in costante crescendo. La traccia parte in sordina, appoggiandosi su un tono catartico e dilatato. Poi, arrivati al finale, la struttura si accende di colpo e muta pelle: il suono si fa in un attimo abrasivo, ruvido e tagliente. È un pezzo che gioca sui contrasti, capace di accogliere l’ascoltatore nella prima metà per poi scuoterlo con forza quando i volumi esplodono.

From a stylistic standpoint, this is a classic post-rock track built on a steady, growing dynamic. The song begins in a whisper, leaning on a cathartic and spacious tone. Then, reaching the finale, the structure ignites and sheds its skin: the sound turns abrasive, rough, and sharp in an instant. It is a piece that plays on strong contrasts, welcoming the listener in the first half just to shake them with brute force when the volume explodes.

STILLPOINTS DISTOPIC.IT

Come suona questo brano? Immaginate i Jackson 5 sotto l’effetto di un fungo allucinogeno. Il risultato è un pezzo che mescola matrici soul e intuizioni latine in maniera del tutto originale. La struttura non si appiattisce mai sui generi di partenza, ma li stravolge per costruire un groove stralunato e personale, capace di suonare fresco e imprevedibile pur partendo da radici classiche.

How does this track sound? Imagine the Jackson 5 under the influence of a hallucinogenic mushroom. The result is a piece mixing soul foundations and Latin ideas in a completely original way. The structure never just mimics its starting genres, but twists them to build a weird and personal groove, managing to sound fresh and unpredictable while still building on very classic roots.

THE LABRA BROTHERS DISTOPIC.IT

Garage rock? Sì, ma c’è molto altro. È un brano notturno, pensato per spingere chi ascolta verso un viaggio scuro e ben definito. Il risultato è un pezzo che ricorda molte altre cose del panorama rock, eppure possiede una forte originalità. Sembra una contraddizione, ma non lo è affatto: la struttura regge proprio perché mastica influenze note restituendo un’identità chiara e personale, senza mai suonare come un semplice esercizio di stile.

Garage rock? Yes, but there is much more. It’s a nocturnal track, designed to push the listener toward a dark and well-defined journey. The result is a song that brings to mind many other things in the rock landscape, yet possesses a strong originality. It might sound like a contradiction, but it is not at all: the structure holds up precisely because it chews up known influences to deliver a clear, personal identity, never sounding like a mere stylistic exercise.

THE CLEAN CRIME SCENE DISTOPIC.IT

Questo pezzo riporta subito alla mente le atmosfere chitarristiche e la narrazione di Mark Knopfler. Il punto di forza è un testo davvero interessante: uno spaccato crudo che racconta la fauna umana di Fremont Street senza filtri. Tra “freaks”, figure al limite e pura disillusione, la traccia disegna un mondo marginale e decadente, sostenuto da un arrangiamento maturo, solido e perfettamente a fuoco.

This track immediately brings to mind the guitar atmospheres and storytelling of Mark Knopfler. The strong point is the truly interesting lyrics: a raw slice of life portraying the human fauna of Fremont Street without filters. Among “freaks”, borderline figures, and pure disillusionment, the song sketches a marginal and decadent world, backed by a mature, solid arrangement that stays perfectly in focus.

THE GLORIOUS RABBITS DISTOPIC.IT

Questo rock elettronico acido non ti lascia respirare: è costruito in modo da stringere fisicamente l’ascoltatore alla gola. Ci troviamo davanti a un pezzo misterioso, decisamente sexy e pieno di fascino, che gioca tutto su un’atmosfera tesa e senza scampo, senza mai allentare la presa. La conseguenza diretta si percepisce nel momento esatto in cui la musica si ferma: quando la traccia finisce, ti lascia addosso una profonda sensazione di vertigine, difficile da scrollarsi di dosso.

This acid electronic rock gives you no breathing room: it is structured to physically tighten around the listener’s throat. We are facing a mysterious, decidedly sexy, and deeply fascinating track that bets everything on a tense atmosphere, without ever giving up its grip. The direct consequence is felt the exact moment the music finally stops: when it ends, the song leaves you with a deep, disorienting sense of vertigo that is truly hard to shake off even after the silence falls.

ANTHONY MENZIA DISTOPIC.IT

Levante si racconta a Vanity Fair Italia in un’intervista che attraversa trent’anni di vita, musica e ricerca personale. Al centro, il percorso che ha portato alla nascita di “Dell’Amore il Fallimento e Altri Passi di Danza”, che parte da una domanda diversa da quella che ha guidato i suoi album precedenti: non più che cosa sia l’amore, ma perché, per lei, finisca sempre nello stesso punto.

«Perché mi sono arresa all’idea di trovarne il significato. L’amore è, arriva come arriva. Mi interessava capire perché io lo facessi fallire, sempre allo stesso punto», racconta Levante. Una ricerca che l’ha portata a confrontarsi con il proprio passato e, soprattutto, con la figura del padre, morto nel 1996 quando aveva nove anni, che ha raccontato nel tempo: «Oggi mi rendo conto che quell’uomo che avevo santificato perché era morto aveva delle colpe. Non colpe scelte: erano ferite trasmesse di padre in figlio. E io ho ricevuto la sua durezza, e poi la sua assenza». Da qui nasce “Abissale”, la canzone che chiude il nuovo disco e che diventa il punto di arrivo di una riflessione sull’amore, sull’abbandono e sui meccanismi attraverso cui, nel tempo, ha imparato a proteggersi: «Mi allontano. Mi distraggo, non ti guardo più. Diventi sempre più evanescente, e io creo una distanza per cui andarmene non sia poi così traumatico». Oggi, però, qualcosa è cambiato: con Pietro Palumbo, il suo compagno e padre della figlia Alma, Levante ha scelto di affrontare le difficoltà anche attraverso la terapia di coppia, «Perché ne vale la pena. E perché tu non muori. Tu non devi morire».

La maternità è un altro dei temi importanti della conversazione. Alma ha cambiato il suo modo di guardare alla vita e all’amore, ma ha anche portato con sé un momento di grande fragilità. Levante racconta infatti di aver affrontato una depressione post partum e una depressione infantile mai curata, legata alla perdita del padre: «Quella è una cicatrice, resta lì». E parla apertamente anche del ricorso ai farmaci, sottolineando l’importanza di superare lo stigma legato alla salute mentale: «Sì, e ci tengo a dirlo, perché c’è uno stigma: se vai dallo psichiatra sei pazzo. No, ci vai perché servono delle medicine, come quando hai mal di pancia».

Per Levante, la cura passa anche dalla possibilità di riconoscere ciò che è stato e di smettere di considerarsi vittime degli eventi: «Io ho ricevuto pietà e compassione: poverina, mi dispiace. Non mi è servito a niente, anzi mi ha fatto solo sentire sfortunata, vittima. E non è giusto sentirsi vittima, perché la vita è questo, la vita ti accade».

Sull’ego si concentra una delle riflessioni più intime dell’intervista: «L’Io, per mettersi da parte, deve riconoscersi. Ti serve per sapere chi sei, ma poi lo devi spostare per fare spazio all’altro». Una frase che riassume un percorso nel quale la musica diventa ancora una volta strumento di elaborazione, ma anche spazio per lasciare andare ciò che non serve più. La conversazione affronta infine il rapporto di Levante con il proprio mestiere, con l’intelligenza artificiale nella musica e con il dibattito politico contemporaneo. Da sempre esplicita nelle proprie posizioni, l’artista racconta anche il prezzo della propria esposizione pubblica: «Ho perso molti fan. Ma Dio grazie, si sono levati da soli». E, parlando del suo approccio alla musica e alla scrittura, ribadisce la centralità dell’autorialità: «Io mi chiudo da sola in una stanza a scegliere le parole da quando avevo nove anni».

Tutti i contenuti sono disponibili sul nuovo numero di Vanity Fair Italia e su Vanityfair.it

Giornalista: Valentina Colosimo
Fotografo: Josephina Bietti
Servizio: Konca Aykan

LEVANTE DISTOPIC.IT

Il krautrock è oggi considerato una delle esperienze musicali più radicali e innovative del Novecento. I synth dei Kraftwerk, il motorik dei Neu!, la forza visionaria dei Can, le esplorazioni cosmiche dei Tangerine Dream continuano ancora oggi a influenzare musicisti di ogni generazione. Ma da dove nasce davvero quella straordinaria rivoluzione sonora?

Questo libro racconta il contesto storico, culturale e politico che rese possibile, tra il 1968 e il 1976, la nascita di una nuova musica in una Germania Ovest ancora impegnata a confrontarsi con il peso del proprio passato. In quegli anni, la sperimentazione musicale diventò il luogo in cui una generazione provò a ridefinire identità, rapporto con la tecnologia e nuove forme di spiritualità. Il krautrock non fu soltanto un’avanguardia musicale: fu il tentativo di immaginare un nuovo linguaggio per reinventare la Germania del dopoguerra. Da quella ricerca nacque una delle più sorprendenti rivoluzioni musicali del secolo scorso.

FORMATO: 140×210
PAGINE: 128
PREZZO: € 20,00
ISBN: 978-88-32085-65-5

Krautrock 1968-1976 DISTOPIC.IT

“Talk to Me” è un horror pensato soprattutto per un pubblico giovane, con un gruppo di teenager al centro della vicenda e tutti gli elementi che ne conseguono. La regia è decisamente più solida della sceneggiatura: il lavoro dietro la macchina da presa è sicuro e i due registi mostrano una notevole padronanza, confermata anche dal successivo “Bring Her Back“.

La trama convince a tratti, e meno soprattutto all’inizio, quando alcuni passaggi appaiono piuttosto deboli e poco incisivi. Con il procedere della vicenda, la situazione migliora e la storia riesce a trovare una propria dimensione, costruendo un intrattenimento tutto sommato discreto.

Costato appena 4,5 milioni di dollari, “Talk to Me” ha ottenuto un successo notevole al botteghino, diventando anche un piccolo cult grazie al passaparola. Non siamo davanti a un horror particolarmente brillante e i limiti restano evidenti. Nonostante questo, il risultato riesce a coinvolgere quel tanto che basta, senza però raggiungere la sufficienza. Insomma, una pellicola sopravvalutata.

TALK TO ME DISTOPIC.IT

“Let’s Go Home” dell’artista norvegese Jordan Sand è una traccia paziente e spoglia, una meditazione spettrale dal cuore drone che mette al centro il contrabbasso ad arco come colonna portante. Il brano disegna un viaggio verso un altrove fatto di panorami freddi e di un viscerale desiderio di tornare a casa. È un percorso dell’anima che si sviluppa con calma, dove ogni nota sospesa riflette una ricerca intima tra isolamento, nostalgia e appartenenza.

Norwegian artist Jordan Sand’s “Let’s Go Home” is a patient yet stark track, a spectral meditation with a droning heart spotlighting her bowed double bass as the backbone. The piece sketches a journey toward an elsewhere made of cold landscapes and a visceral yearning to reach home. It works as a soulful path unfolding with patience, where every suspended note reflects an intimate search between isolation, nostalgia, and belonging.

JORDAN SAND DISTOPIC.IT

“Porcelain” si pianta benissimo nel presente, parlando la lingua del dark pop senza cedere a scorciatoie iper commerciali. Il punto di forza sta in una serie di aperture melodiche davvero azzeccate, figlie di un lavoro di scrittura intelligente che sa dove andare a parare. Non c’è nulla di sfacciatamente pop nel senso deteriore del termine, ma solo un insieme di linee pulite che valorizzano ogni singolo secondo di ascolto, lasciando il segno con misura e carattere.

“Porcelain” stands firmly in the present, speaking dark pop’s language without giving in to hyper-commercial shortcuts. Its main strength lies in a series of spot-on melodic openings, the result of intelligent songwriting that knows exactly where to head. There is nothing blatantly pop in the bad sense of the word, just a set of clean lines enhancing every single second of listening, making an impact with poise and character.

MAIH DISTOPIC.IT

Gli accenti hip hop fanno da sfondo a un brano che prende l’alt-pop e lo sporca senza farsi problemi con l’elettronica e l’urban. La struttura scivola via dritta, ma il punto di forza resta quel ritornello delizioso che funziona alla grande fin dal primo passaggio. Un pezzo immediato, con il tiro giusto per piantarsi subito in testa.

Hip hop accents set the backdrop for a track taking alt-pop and dirtying it without hesitation using electronics and urban elements. The structure glides smoothly, but the real highlight remains that delightful chorus working amazingly well from the very first play. An immediate tune with the right groove to stick in your head.

YUC, INSIMONIA DISTOPIC.IT