Un passetto alla volta gli Ex-Otago sono diventati una bella realtà. All’inizio non avremmo scommesso granché sulla loro maturazione. E invece ci pigliamo le nostre responsabilità e non ci nascondiamo: ci hanno smentito. “Marassi” è un album pieno di singoli potentissimi, ma la cosa che esalta del disco è il perfetto mix fra pop, canzone d’autore ed elettronica.

In scaletta 10 brani per 37 minuti di musica: l’elogio dell’essenzialità. Pezzi come “Cinghiali incazzati”, “I giovani d’oggi”, “La nostra pelle”, “Gli occhi della Luna” danno la perfetta cifra stilistica del compact, ma soprattutto dicono che gli Ex-Otago sono oggi (ma forse lo erano già col disco precedente) un “prodotto” capace di guardare oltre i confini della scena indipendente. Le canzoni di “Marassi” non sfigurerebbero in contesti diversissimi: dal Premio Tenco al fu Festivalbar, passando per una qualunque sagra di paese. Sono brani che parlano ad almeno due generazioni – quella dei trentenni e dei quarantenni – con leggerezza ed efficacia. Insomma, un album così bello che a pigliarne solo una copia ti resta persino il dubbio di avergli fatto un torto.

EX-OTAGO DISTOPIC.IT

Schwarz Dont Crack è il nome scelto da Ahmad Larnes e Sebastian Kreis, il primo di New York mentre il secondo di Berlino. Il loro “No Hard Feelings” ha un bel profilo, perché si pone al centro di un incrocio dove r’n’b, elettronica e pop si danno appuntamento per un ballo dalle traiettorie ampie, traiettorie capaci di attraversare come nulla fosse decadi diverse: Anni Ottanta, Anni Novanta e Anni Duemila. Insomma, “vecchio” e “nuovo” convivono all’interno di questo album che ha un’orecchiabilità spiccata ma anche una eccellente raffinatezza/ricercatezza sonora.

La scaletta contiene 12 episodi per 43 minuti di musica. Onestamente non ci sono grosse flessioni, e anzi, sono diversi i momenti che legittimano la spesa. Un difetto? Forse ci sono pochi cambi di registro. Nel senso che il duo sa quali sono i propri punti di forza e si guarda bene dal prendersi dei rischi. Guai però a parlare di lavoro all’insegna del “compitino svolto” perché “No Hard Feelings” è a tutti gli effetti un compact di livello assoluto. I pezzi migliori? C’è davvero l’imbarazzo della scelta: “Getaway”, “All My Love”, “Mirror”, e soprattutto “Missing You”. In conclusione: di diritto nella nostra Top 2016.

SCHWARZ DONT CRACK DISTOPIC.IT

Usando pop, folk e rock, i Matmata sfornano un disco veramente, veramente, veramente interessante, con diversi episodi che colpiscono il bersaglio grosso al primo colpo. “Limen” vede il geniale Gnut alla supervisione artistica, un bellissimo rifacimento di “Strange World” di Ké e una manciata di potenziali singoli che hanno in “Uno” l’espressione migliore, ma potremmo citare anche “Tutto in una stanza”, “Se chiudo gli occhi”, “Lacrime e sangue” oppure “Lei è noi”. Niente male per un disco di 12 canzoni, con delle linee melodiche a cinque stelle e un cantato ispiratissimo.

In 41 minuti i Matmata riescono a mostrare uno stile, idee chiare e un concetto nobile legato al pop, qui maneggiato con cura ed eleganza. Difetti? Forse un paio di brani sono di troppo e in alcuni passaggi gli arrangiamenti penalizzano i ritornelli, ma siamo oggettivamente alla lana caprina. Mettiamo “Limen” nella nostra Top 2016. Applausi a scena aperta.

MATMATA DISTOPIC.IT

Calm’n’Chaos è il progetto elettronico di Christian Cutuli, produttore, compositore, arrangiatore e polistrumentista italiano. “Unextraterrestrial” è un album che sta in equilibrio tra rock ed elettronica, tra pop sintetico e sperimentazione, insomma, gli estremi potrebbero essere i Depeche Mode (con annessa scena Anni Ottanta) e la modernità elettronica dei giorni nostri, elementi ai quali va poi aggiunta una voce particolarissima. Sì, perché Christian Cutuli ha un modo di cantare veramente efficace: le sue canzoni le senti addosso, ti arrivano alle spalle come un velo caldo, nel suo modo di cantare c’è una teatralità che ti fa subito correre la mente ad Antony Hegarty.

Tutto l’album ha un taglio scuro, epico, parte forte e non tradisce le attese lungo la strada. Sulla melodia (in senso generale) è stato fatto un lavoro prezioso: quella di “Unextraterrestrial” è la faccia bella del pop, l’orecchiabilità è qui portata sul palmo della mano come un trofeo da esporre senza superbia. Non c’è alcun timore, da parte di Cutuli, nel flirtare con il pop, anzi, il confronto riesce a sfornare diversi brani degni di nota: dal singolone “My Only Fault”, passando per “My life is changing” e “The red loop”.

In conclusione: un disco pieno zeppo di idee, con un livello di originalità superiore alla media (in ambito italiano), valorizzato al massimo dalla produzione di Tim Palmer.

CALM’N’CHAOS DISTOPIC.IT

A volte a certi artisti ci arrivi perché il passaparola si fa così forte che la voglia di approfondire diventa logica conseguenza. E’ il caso di Birthh.

E’ da mesi che si fa un gran parlare del suo “Born in the woods“. Buon marketing oppure vera sostanza? C’è vera sostanza. Alice Bisi ha dato alle stampe un album che ha basi solide: arrangiamenti raffinati e intelligenti, un gusto tutto europeo nel maneggiare l’elettronica, una discreta voce e belle melodie. Se fossimo in un negozio di dischi, metteremmo il suo debutto fra Camille, Björk e Florence and the Machine, ma nel compact non troverete richiami troppo evidenti ai nomi appena citati, diciamo che possono essere considerati come estremi o insiemi all’interno dei quali Alice si muove interpretando il proprio ruolo con autonomia.

Potremmo parlare per ore (e bene) di “Born in the woods”, perché è davvero un lavoro completo. Difetti? Per carità, ne ha, ad esempio la fruibilità pop dei brani non è stata sfruttata al massimo del potenziale, preferendo puntare sulle atmosfere più che sulla presa radiofonica di alcuni pezzi. Il risultato? Un disco che ha un’atmosfera generale scura, avvolgente, notturna, ma crediamo che il progetto di Birthh possa guardare anche oltre la scena indipendente. I pezzi migliori? C’è l’imbarazzo della scelta: “Wraith” non fa prigionieri, ma pure “Chlorine” è un ottimo biglietto da visita.

In conclusione: non si puoi restare indifferenti davanti a tanta bellezza.

BIRTHH DISTOPIC.IT

«Tutte le composizioni sono nate come semplici improvvisazioni, momenti intimi di sfogo con il mio strumento. Con l’aiuto del compositore Roberto Cacciapaglia ho successivamente limato e raffinato la forma. “Upside Down” racchiude piccole storie della mia vita, sensazioni profonde che, complice la mia timidezza, ho saputo tirare fuori solo grazie alla musica».

Veramente tanta roba. “Upside Down” è un disco bellissimo ed è curioso che su internet non ci siano grosse recensioni su questo lavoro che ti fa subito venire in mente Ludovico Einaudi. E attenzione: fare il verso a Ludovico Einaudi è un attimo, finanche un gioco da ragazzi, ma la grossa scommessa è riuscire a emozionare come fa il quotatissimo autore, e qui Filippo Landi dimostra tutto il suo talento, perché delle 13 tracce in scaletta non ce n’è una (e ripetiamo, non ce n’è una) che non ti ammazza dentro. In 36 minuti questo ragazzino classe 1995, proveniente da Firenze, si concede il lusso di strappare all’ascoltatore una tenerezza del tutto particolare con il suo pianoforte. Insomma, musica che non tradisce, che spiazza, che ha leggerezza e maturità. Un viaggio oltre il semplice concetto di “musica classica”.

FILIPPO LANDI DISTOPIC.IT

Questi sono bravi per davvero. E non è un caso che la Carosello Records (hanno fiuto per il talento) abbia investito su di loro in questi anni. I Plan de Fuga hanno un bel modo di maneggiare la melodia, che non significa solo saper azzeccare il ritornello giusto, ma significa saper costruire canzoni che hanno uno sviluppo efficace, un crescendo, uno sparo e un’esplosione.

“Fase Due” è un disco di 6 brani. Il conto della serva è presto fatto: “Mi ucciderai”, “Come vuoi che sia”, “Alzare la marea” e “Causa-Effetto” sono pezzi buoni per tutte le stagioni e per tutte le radio: dall’emittente indie sino al network commerciale. Occhio alla ritmica di “Causa-Effetto” che riprende certe basi della drum’n’bass: una soluzione sfiziosa, ma tutto il compact è infarcito di arrangiamenti moderni e originali, che vanno oltre gli stilemi del rock contemporaneo – almeno in Italia. Curiosa la scelta di puntare su “Distruggi tutto” come primo estratto da “Fase Due”: il pezzo è valido, ma forse non è il miglior biglietto da visita per sfruttare il potenziale dell’album.

La realizzazione del disco è stata artisticamente impreziosita anche dalla partecipazione di Giovanni Ferrario alla produzione di due episodi. A chiudere il cerchio c’è “Change it”, una canzone in inglese (l’unica, le altre sono in italiano) dall’atmosfera malinconica, dalla resa emotiva eccellente e con chitarre liquide che non ti stancheresti mai di ascoltare.

In conclusione: non fatevelo sfuggire, un cd da prendere a occhi chiusi.

PLAN DE FUGA DISTOPIC.IT

Un album veramente bello. “Color” si prende così tanti azzardi, affronta così tante curve spingendo sull’acceleratore che alla fine ti stupisci che l’ascolto sia comunque così omogeneo, solido, persino coerente, e attenzione: le 7 tracce in scaletta sono diverse le une dalle altre. Katie Gately ha tirato fuori dal cilindro un disco meraviglioso, dove elettronica e sperimentazione non sono al servizio della nicchia di turno (noi odiamo le nicchie…), ma hanno potenza e capacità di parlare a un pubblico trasversale.

In 41 minuti, questa ragazza nata nel Bronx, cresciuta a Brooklyn, e attualmente di casa a Los Angeles, è riuscita a dar vita a un album potentissimo, con un suono spettacolare, compatto, pulito, pieno di effettini che impreziosiscono le idee di partenza. Impossibile restare indifferenti davanti a “Color” e ai suoi cambi di registro. In conclusione: un album consigliatissimo, fra le migliori cose uscite nel 2016 in ambito elettronico.

KATIE GATELY DISTOPIC.IT

Per il Premio Tenco è stata la miglior opera prima del 2016. E in effetti “La fine dei vent’anni” è un disco ispirato.

Prodotto da Riccardo Sinigallia, Motta (fondatore del gruppo Criminal Jokers) ha messo assieme 10 canzoni che hanno un punto di forza evidente, cioè arrangiamenti meravigliosi. Lungo la scaletta non c’è un brano simile a un altro, tutto è vario ma nel contempo (magia) omogeneo. Lo stesso autore modella la sua voce a seconda delle circostanze: il tono è sfrontato quando il ritmo sale, mentre si fa accogliente quando l’atmosfera è lenta.

“La fine dei vent’anni” è un album di cantautorato moderno, con ampie aperture al rock e una discreta fruibilità pop. I testi talvolta non sono di facilissima lettura, ma hanno valore artistico. Le chitarre sono quasi sempre espressive.

Su liriche e melodie si può migliorare ancora, ma nel complesso il disco è solido, ben strutturato, la mano di Sinigallia si intuisce benissimo, la strada imboccata è quella giusta, ora si tratta soltanto di percorrerla. I brani migliori? L’iniziale “Del tempo che passa la felicità”, “Prima o poi ci passerà”, “Roma stasera”, “Mio padre era comunista”, “Se continuiamo a correre”. Occhio a “Una maternità” e “Abbiamo vinto un’altra guerra”: c’è la chitarra di a Giorgio Canali.

In conclusione: non è roba fighetta, qui c’è un futuro artistico da raccontare.

MOTTA DISTOPIC.IT

“Da Sud” ha testi bellissimi, le parti musicali sono distanti dal classico hip hop (nuovo?) italiano, e vanno ad abbracciare il blues, il rock, quello delle radici, ma attenzione, non è crossover, è sempre rap ma con tinte varie e diverse. Insomma, veramente un album ben piantato. Se dovessimo giocare con i parallelismi, potremmo dire che con questo lavoro Kento e i The Voodoo Brothers hanno preso il meglio degli Assalti Frontali e hanno spinto il tutto in territori inesplorati. Qualcuno potrebbe obiettare che in America, 20 anni fa, già i Rage Against The Machine facevano robe del genere, che in parte è vero, ma le liriche di Kento hanno un livello di lucidità altissimo per il panorama italiano e a livello melodico, il pop è stato maneggiato con classe. Quindi, i Rage Against The Machine restano lassù, ma “Da Sud” è un disco che rappresenta un lusso per il mercato italiano, perché è completo e ha un potenziale notevole – sarebbe un peccato se facesse il botto soltanto nelle nicchie del genere.

Diversi gli ospiti – fra i quali Murubutu – e diversi i singoli: “Ribelle”, “Seta”, “Totò Speranza”, “Piazzale Loreto” e soprattutto “H.I.P. H.O.P.”, il pezzo migliore. Tutto da scoprire l’artwork del booklet.

KENTO & THE VOODOO BROTHERS DISTOPIC.IT

Questo album pochi giorni fa è stato certificato “disco d’oro” in Italia. I più cattivi potrebbero pensare che è tutto merito della vetrina (ben sfruttata) di Sanremo e di un percorso furbetto che va a ricalcare quello già ben battuto da Giovanni Allevi, ovvero musica strumentale per la massa e il largo consumo. Il primo concetto è innegabile, il Festival ha fatto da traino a Ezio Bosso. Il secondo concetto è una forzatura, perché in “The 12th Room” non ci sono passaggi ruffiani o spudorate aperture a melodie buone per i caroselli pubblicitari.

“The 12th Room” è un concept album composto da due compact: un primo disco con quattro brani inediti e sette di repertorio pianistico, ognuno dei quali vuole rappresentare metaforicamente le fasi che attraversiamo nella vita, e un secondo disco contenente la “Sonata No. 1 in G Minor” che simboleggia la dodicesima stanza.

“The 12th Room” è davvero un bel lavoro. Lo si può ascoltare distrattamente oppure prestando a esso l’attenzione migliore, in entrambi i casi avrai sempre il solito risultato: il piano di Bosso non lascia indifferenti, ti viene a cercare, ti stana dal tuo mondo per portarti in una dimensione epica, drammatica, leggera, solare e cupa al tempo stesso. A tratti hai la sensazione di ascoltare qualcosa di davvero “figo” (per mutuare un termine giovanilistico) mentre in altri passaggi è come se il bombardamento di note non avesse mai fine e tu stai lì a farti frullare la testa dai punti esclamativi. Due le tracce migliori del primo cd: “The Tea Room” (eccezionale l’arrangiamento) e “Sweet and Bitter”.

EZIO BOSSO DISTOPIC.IT

Ci sono dischi che fai una fatica boia a definire, a collocare, persino a descrivere a parole, perché hanno una personalità così forte che l’unica cosa sensata da dire sarebbe “andate di corsa ad ascoltarlo”. E’ il caso di “Blood Bitch“, un compact fuori dagli schemi, pieno di idee interessanti e con un mix di folk e suoni elettronici e sperimentazione da spiazzare anche l’ascoltatore più scafato.

I dieci capitoli di “Blood Bitch” parlano di storie sanguinarie, tra realtà, fantasia e fiction cinematografica. Il nuovo album di Jenny Hval è un concept legato al ruolo del sangue nella società moderna e passata. Il sangue protagonista, dunque. Si passa infatti da situazioni naturali come il ciclo mestruale, a vampiri famelici, a omicidi di vergini e prostitute, fino a fantasie di amore e sangue.

Siamo sempre restii a usare il termine “avanguardia” quando si parla di musica, perché spesso è usato per descrivere robe che possono ascoltare quattro gatti, però il disco di Jenny Hval è l’eccezione che conferma la regola. C’è veramente tanta originalità lungo i 10 episodi in scaletta e sotto l’aspetto tecnico non si è sbagliato nulla in fase di produzione e mixaggio. La voce di Jenny è ipnotica e rassicurante, fuori dal tempo ma sa anche essere dolce. Fra le migliori cose ascoltate in ambito elettronico nel 2016.

JENNY HVAL DISTOPIC.IT

Sorge è Emidio Clementi (con Marco Caldera). Emidio Clementi è anche un bel pezzo dei Massimo Volume e – fatto curioso – le sue cose migliori negli ultimi anni sono venute fuori quando si è messo in proprio, come se il peso della band, oggi, fosse fardello troppo grande da gestire. Così dopo il bellissimo “Notturno Americano”, riecco Emidio alle prese con una roba nuova.

«Qualche tempo fa ho ricevuto in regalo il vecchio piano verticale che ingombrava il soggiorno della nonna di mia moglie. L’ho fatto restaurare, l’ho piazzato in studio e per più di un anno sono rimasto a guardarlo, senza osare metterci le mani sopra. Quando finalmente ho iniziato a prendere lezioni, Bruno, il mio giovane insegnante, s’è stupito di quanta soggezione avessi dello strumento, non mi spingevo mai oltre la corretta esecuzione di un esercizio. “Cosa te ne importa di sbagliare? Osa, metti le dita dove non dovresti metterle. Sei o no un musicista?”. Quelle parole sono state il mio piccolo satori. Di colpo ho preso a considerare il piano per quello che è, una possibilità espressiva. Ho cominciato allora a registrare semplici linee melodiche e a girarle a Marco, il quale si è impegnato ad arricchirle, a dargli una struttura, un ritmo, creando un paesaggio su cui poi sono nati i testi».

“La guerra di domani” è elettronica e parole. Sangue, pensieri e suoni. Notte e alba. Clementi è strepitoso nel raccontare storie così personali ma universali: ci finisci dentro, ti guardi attorno e poi inizi a domandarti: “…ma quel verso parla di me, no?”. Le costruzioni elettroniche di Caldera sono efficaci e discrete, non tolgono spazio ai racconti di Clementi, ma puntellano a dovere i contorni e danno colore al panorama circostante. Emidio dà vita alle sue storie e spesso si ha la sensazione che questo disco sia un po’ una sorta di confessionale (non quello del Grande Fratello, non scherziamo), un non-luogo fatto di fantasmi da esorcizzare e peccati da catalogare. Insomma, un album bellissimo. I pezzi migliori? “Hancock 96”,  “Nuccini”, “Bar Destino”.

SORGE DISTOPIC.IT

Quando prendi alcuni dei tuoi brani e li rimaneggi con un’orchestra hai (mediamente) tutto da perdere. Perché da un lato rischi di fare la figura dello “sborone”, di quello che vuole darsi un tono e magari fare un passo più lungo della gamba, oppure rischi che il risultato sia penalizzante. Niente di tutto questo è toccato a “The Orchestral Album” dei Belladonna, che è un lavoro che piace prima di tutto per la sua… epicità. Sì, quasi tutti i brani hanno una sostanza che coinvolge moltissimo dal punto di vista emozionale, complice l’ottimo lavoro fatto sugli arrangiamenti – l’album è stato lavorato dall’arrangiatrice e direttrice d’orchestra kazaka Angelina Yershova, che ha co-prodotto artisticamente il compact con Dani Macchi, chitarrista e produttore artistico di tutti gli album dei Belladonna.

Sono lontanissimi i tempi di Zoo di Venere (il primo progetto di Luana Caraffa e Dani Macchi) e negli anni il modo di cantare di Luana è cambiato parecchio, si è affinato, e l’impegnativo confronto con l’orchestra restituisce oggi l’immagine di un’artista che sa interpretare magnificamente il repertorio e non cerca riparo comodo fra gli archi – in quest’ottica brani come “Maria Spelterini”, “Abduction” e “Morpheus” dicono molto. Insomma, davvero un bel lavoro, maturo, non pretenzioso e con pochi punti deboli, capace di esercitare fascino su un pubblico anche all’oscuro del percorso della band. E’ rock senza fronzoli e vestito bene.

BELLADONNA DISTOPIC.IT

«Il filo conduttore dei testi è un’ipotetica (ma non troppo) terza guerra mondiale, da noi invocata provocatoriamente come unico modo per ritornare ad essere davvero complici, per capire chi è amico e chi nemico, per liberarsi da sovrastrutture inutili che ci imbrigliano fino a renderci impotenti. Ma, fino a quando non sarà fisicamente a casa nostra, come ricorda la copertina, la guerra non ci riguarderà, non ci tangerà e continueremo a fare finta di nulla, smarriti nelle nostre idiosincrasie moderne».

Appino è diventato un cantautore coi controcazzi. Già ce n’eravamo accorti nelle sue esperienze soliste, il nuovo lavoro con gli Zen Circus non fa altro che confermare l’inciso iniziale. “La terza guerra mondiale” è un album pieno zeppo di storie, parole che servono a raccontare illusioni di provincia, tensioni generazionali. L’efficacia delle immagini descritte dà la perfetta cifra stilistica del livello raggiunto dalla band, che è riuscita negli anni a crescere un passetto alla volta sino a diventare una realtà capace di rappresentare un punto d’arrivo e un esempio per gli emergenti. Sotto l’aspetto sonoro, il rock cantautorale degli Zen ha un’eccellente fruibilità pop, ma ci piace sottolineare l’asciuttezza della proposta musicale: il trio non si perde mai in inutili giochetti, ma va sempre dritto alla meta. Un difetto del compact? Il mixaggio ci convince a fasi alterne.

Diversi i pezzi che meritano un ascolto attento: la title track, “Ilenia”, “Pisa merda”, “Zingara (Il cattivista)”, “San Salvario”.

THE ZEN CIRCUS DISTOPIC.IT

Giorgie D’Eraclea con il suo progetto fa venire in mente il percorso di Maria Antonietta e di tante altre cantantesse del rock italiano: da Carmen Consoli a Cristina Donà passando per Levante e persino per Gianna Nannini. Un’altra cosa: Giorgie D’Eraclea ha una voce meravigliosa, che padroneggia con disinvoltura, riuscendo a dare al cantato (specialmente quando libera la gola) sfumature ed espressività notevoli. Il suo debutto è un ottimo biglietto da visita: non tutte le linee melodiche sono efficaci, ma su produzione, arrangiamenti e suono il lavoro fatto merita un voto ben superiore alla sufficienza.

“La Giusta Distanza” tratta temi legati all’amore, all’universo femminile, delusioni, ferite e speranze. La lingua (musicale) del compact è quella del rock alternativo, ma non è un’eresia parlare di canzone d’autore moderna. Etichette a parte, è un album che ha personalità, che non insegue alcuna moda e che ha in “Come se non ci fosse un domani” un singolo potentissimo, che dà la perfetta cifra stilistica del progetto Giorgieness. Occhio anche all’iniziale “Sai parlare”, “K2”, “Non ballerò”, “Lampadari”. In conclusione: un esordio che lascia immaginare un percorso futuro da protagonista più che dà semplice comparsa.

GIORGIENESS DISTOPIC.IT

Siamo arrivati in colpevole ritardo a scoprire “Orecchie da elefante“, perché il disco di Cappadonia ha oggi quasi un anno di vita. E alla colpa aggiungiamo la recriminazione: pur avendo il promo in archivio, ci è sfuggito e non lo abbiamo votato alle Targhe Tenco del 2016. Facciamo pubblica ammenda e ci teniamo comunque a parlarvi di questo album bellissimo, che parla la lingua del rock con ampie aperture alla canzone d’autore e al pop. Difficile non innamorarsi dello stile di Ugo Cappadonia al primo ascolto, perché tutto sta al posto giusto: il cantato è sfrontato, i testi sono lucidissimi, le linee melodiche accattivanti e l’insieme è veramente forte. A volume alto il disco è un colpo al cuore, ti arriva dritto in faccia come un treno e ci sono due o tre canzoni che non fanno prigionieri: la title track, “Noi corriamo”, “Direzione opposta”. Insomma, un lavoro totale.

Due note a margine: per metter a fuoco il materiale, Cappadonia è stato aiutato da Pietro Alessandro Alosi de Il Pan del Diavolo nelle vesti di produttore artistico e musicista; nel brano “Lontano” c’è anche il sempre geniale Nicola Manzan.

CAPPADONIA DISTOPIC.IT

Quello dei Tre Allegri Ragazzi Morti è un gruppo che in Italia ha fatto cose grosse in carriera – fuori e dentro il palco. A noi non sempre i loro dischi hanno convinto, però bisogna essere sinceri: questo è un album davvero bello. Per vari motivi: intanto per la produzione di quel genio di Paolo Baldini, poi per la varietà dei suoni, per l’ottimo lavoro sulle costruzioni melodiche e per la capacità di mantenere alto il livello per tutta la durata della scaletta. E’ rock, quello dei Tre Allegri Ragazzi Morti? Certo, ma questo album è anche una lezione per chi ha l’ambizione di fare pop in una certa maniera, perché l’orecchiabilità è maneggiata con attenzione e intelligenza.

“Inumani” conta 11 pezzi per 42 minuti di musica. I primi 6 brani sono 6 potenziali singoli perché sono tutti dei gioiellini. La presenza di Jovanotti in “Persi nel telefono” e “In questa grande città” è discreta ed efficace. Attenzione: “In questa grande città” è un pezzone, tenetelo a mente. La seconda parte del disco perde qualcosina, ma una canzone come “La più forte” è imperdibile – le chitarre sono deliziose. Hanno contribuito al compact dei Tre Allegri Ragazzi Morti – fra gli altri – anche Maria Antonietta e Vasco Brondi de Le luci della centrale elettrica, entrambi con due ottimi brani: “E invece niente” e “Libera”. In conclusione: un lavoro notevole, assolutamente da ascoltare.

TRE ALLEGRI RAGAZZI MORTI DISTOPIC.IT

Il primo esperimento, cioè l’album precedente, era carino, ma questo è più di un esperimento. “Nerissimo” è proprio il disco di un progetto con radici forti, ha una identità che va oltre la somma del talento dei due artisti coinvolti. Volete sapere la cosa sfiziosa? Né Blixa Bargeld né Teho Teardo hanno qui dovuto snaturarsi per compiacere l’idea dell’essere duo, dell’essere addizione invece che addendi. Fuori di metafora: in “Nerissimo” Bargeld fa Bargeld, e Teardo fa Teardo, entrambi si propongono come li abbiamo sempre conosciuti. Il primo con quel tono magnifico (soprattutto quando usa il tedesco), il secondo “cinematografizzando” il suono, con queste chitarre o archi lunghissimi che poi sono un marchio di fabbrica.

Il disco è bellissimo, ha un’ottima fruibilità pop e la produzione è eccellente. Difficile non rimanere folgorati dal primo ascolto. I contatti successivi non tolgono nulla all’impressione iniziale. Le coordinate musicali? Tra cinema, sperimentazione, teatro e una personalissima concezione di rock. Un album che andrebbe venduto in doppia copia: una da tenere e una da regalare. I brani migliori? “DHX 2”, “Ich Bin Dabei”, “The Empty Boat”, “The Beast”, “Animelle”, “Nirgendheim”.

TEHO TEARDO & BLIXA BARGELD DISTOPIC.IT

Pop britannico di gran classe, con dei ritornelli maturi che conquistano al primo ascolto. Sono bravi i Rainband, gruppo che vanta collaborazioni ed apprezzamenti da parte di Paolo Nutini e dei fratelli Gallagher.

In scaletta 13 brani per 45 minuti di musica. Il risultato? Sono pochissimi i passaggi a vuoto, mentre per contare i potenziali singoli sono necessarie le due mani, questo per dire che “Satellite Sunrise” è un album pieno di qualità. Questi ragazzi di Manchester maneggiano la melodia con una padronanza che stupisce e hanno un bel suono, impreziosito da tanti dettagli sfiziosi. La prima parte del compact è da applausi, andrebbe proposta come testo-base in ogni corso per “la perfetta pop song”, mentre il… secondo tempo perde qualcosa ma si mantiene abbondantemente sopra la sufficienza. Assolutamente da ascoltare. I brani migliori? “One Man Down”, “Morning Light” e “Crimson Tide”.

THE RAINBAND DISTOPIC.IT